jueves, 9 de junio de 2016


COLOR.

El color en la luz se hace con los filtros, hechos con láminas de acetato y teñidas de diversos colores, se las llama “gelatinas”, que se vende por pliegos, de allí se recorta el cuadrado que se necesita y se monta en un portafiltros colocado en la boca del foco. Debido a las altas temperaturas no se deben utilizar filtros de otros materiales y también se debe evitar que el filtro entre en contacto con la lámpara porque también se queman.
 Para una iluminación general rara vez se usa el color blanco porque se come el color de los decorados y los vestuarios. Siempre usamos la luz filtrada para resaltar el color de la escena, aunque la combinación de colores de blanco. Puede causar mal efecto usar solo un color o una sola gama de colores para iluminar una escena. Es mejor equilibrar las diversas gamas de color, si el resultado es uniforme, el efecto se pierde. Nunca mezclar colores montando filtros de distinto color sobre un mismo foco porque el efecto distaría mucho del efecto buscado y restaría luminosidad al foco. Tenemos que probar los focos de acuerdo con el vestuario para evitar efectos no deseados.

COLOR LUZ Y COLOR PIGMENTO Color de la luz, síntesis aditiva Color de pigmento, síntesis sustractiva Los colores producidos por luces (en el monitor de nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.) tienen como colores primarios, al rojo, el verde y el azul (RGB). 
La mezcla de dos colores luz proporciona un color mas luminoso, por ende se le denomina, mezcla aditiva y las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible. 
La mezcla de colores pigmento produce una resta de luz. por lo que es una mescla sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva.

. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le agrega negro pigmento conformándose el espacio de color CMYK. Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como tricomía y cuatricomía se basan en la síntesis sustractiva. Color Lab Pantone Combinando dos de la mezcla aditiva de los colores primarios surgen secundarios Rojo + verde = luz amarilla Azul + verde = azul cyan Rojo + Azul= magenta Dos luces coloreadas se llaman complementarias cuando, mesclas en una cierta proporción, igualan la luz blanca. Son siempre una luz primaria y una secundaria: Combinando dos de la mezcla sustractiva de los colores primarios surgen secundarios Amarillo + Magenta = Rojo anaranjado Magenta + Azul = Violeta Azul + Amarillo = Verde Los colores pigmento complementarios son aquellos cuya mezcla se acerca al negro. Para conseguir este efecto, es necesario mezclar un color pigmento primario y uno secundario que no contenga al anterior Importancia y significado del color - 1 "El color fabrica todo un universo imaginario. Nos hace viajar a las islas, nos sumerge en el mar o nos sostiene en pleno cielo" (Grafismo Fundamental - Abraham Moles /Luc Janiszewski). Hablaremos en esta parte de una característica fundamental del color, que es tenerlo en cuenta como elemento expresivo que puede ser utilizado por grafistas, ilustradores, fotógrafos... Aquí estudiaremos tres diferentes aplicaciones del color en el ámbito gráfico (siguiendo la clasificación que se realiza en "Grafismo Fundamental"): El color denotativo, el color connotativo y el color esquemático. El color denotat ivo: Aquí hablamos del color cuando está siendo utilizado como representación de la figura, es decir, incorporado a las imágenes realistas de la fotografía o la ilustración.
El color como atributo realista o natural de los ob jetos o figuras. En el color denotativo podemos distinguir tres categorías:
Icónico, saturado y fantasioso, aunque siempre reconociendo la iconicidad de la forma que se presenta.
El color icónico: La expresividad cromática en este caso ejerce una función de aceleración identificadora: la vegetación es verde, los labios rosados y el cielo es azul.
El color es un elemento esencial de la imagen realista ya que la forma incolora aporta poca información en el desciframiento inmediato de las imágenes. La adición de un color natural acentúa el efecto de realidad, permitiendo que l a identificación sea más rápida. Así el color ejerce una función de realismo que se superpone a la forma de las cosas: una naranja resulta más real si está reproducida en su color natural. 
El color saturado: Una segunda variable del color denotativo es el color saturado. Este es un cromatismo exaltado de la realidad, más brillante, más pregnante. Son colores más densos, más puros, más luminosos. 
El color saturado obedece a la necesidad creada por la fuerte competitividad de las imágenes que nos asedian, donde la exageración de los colores forma parte del triunfo de las imágenes como espectáculo visual de nuestro entorno cotidiano. El mundo resulta más atractivo de esta forma. El cine, la fotografía, la ilustración, la televisi ón, los carteles, los embalajes... ofrecen una imagen cromática exagerada que crea una euforia colorista. El color fantasioso: Otro matiz de la denotación cromática reali sta es el color fantasioso, en el que la fantasía o manipulación nace como una nueva forma expresiva. Por ejemplo las fotografías solarizadas o coloreadas a mano, en las que no se altera la forma, pero sí el color. De esta forma se crea una ambigüedad entre la fi gura representada y el color expresivo que se le aplica, creando una fantasía de representación. La forma permanece mientras que el color se altera, hasta tal punto que en ocasiones la forma queda semioculta tras la plenitud cromática. 
El color connotati vo: La connotación es la acción de factores no descriptivos, sino precisamente psicológicos, simbólicos o estéticos, que suscitan un cierto clima y corresponden a amplias subjetividades. Es un componente estético que afecta a las sutilezas perceptivas de la sensibilidad. C/ Clapissa, 19 - 12580 - Benicarló (Castellón - España) P-12 Netdisseny d i s e ñ o i n d u s t r i a l netdisseny@netdisseny.com www.netdisseny.com Importancia y significado del color - 2 "El lenguaje de los colores" si gnifica que éstos no sólo se supeditan a representar la realidad en imagen, sino que tambi én pueden hablar. Cada color es un signo que posee su propio significado. 
El color psicológico: Son las diferentes impresiones que emanan del ambiente creado por el color, que pueden ser de calma, de recogimiento, de plenitud, de alegría, opresión, vi olencia... La psicología de los colores fue ampliamente estudiada por Goethe, que examinó el efecto del color sobre los individuos: 

 1. El blanco: como el negro, se hallan en l os extremos de la gama de los grises. Tienen un valor límite, frecuentemente extremos de brillo y de saturación, y también un valor neutro (ausencia de color). También es un valor latente capaz de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente; crea una impresión luminosa de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica.
2. El negro: es el símbol o del silencio, del mist erio y, en ocasiones, puede significar impuro y maligno. Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante.

3. El gris es el centro de todo, pero es un centro neutro y pasivo, que simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía. Simbólicamente, el blanco y el negro, con sus gradaciones de gris, son del color de la lógica y de lo esencial: la forma. Por otra parte, el blanco y el negro junto con el oro y plata, son los colores del prestigio. Los colores metálicos tienen una imagen lustrosa, adoptando las cualidades de los metales que representan. Dan impresión de frialdad metálica, pero también dan sensación de brillantez, lujo, elegancia, por su asociación con la opulencia y los metales preciosos. Una imitación debe evocar la imagen subyacente de valor, puesto que de lo contrario se conseguirá un efecto contraproducente, y dará la impresión de falsificación, de baratija.

4. El amarillo: es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es el color del sol, de la luz y del oro, y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos. Está también relacionado con la naturaleza.

5. El naranja: más que el rojo, posee una fuerza activa, radiante y expansiva. Tiene un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y energética.

6. El rojo: significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y del fuego. Color fundamental, ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo. En general los rojos suelen ser percibidos como osados, sociables, excitantes, potentes y protectores. Este color puede significar cólera y agresividad. Asimismo se puede relacionar con la guerra, la sangre, la pasión, el amor, el peligro, la fuerza, la energía... Estamos hablando de un color cálido, asociado con el sol, el calor, de tal manera que es posible sentirse más acalorado en un ambiente pintado de rojo, aunque objetivamente la temperatura no haya variado. C/ Clapissa, 19 - 12580 - Benicarló (Castellón - España) P-13 Netdisseny d i s e ñ o i n d u s t r i a l netdisseny@netdisseny.com www.netdisseny.com 7. El azul: es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde. Es un color reservado y entra dentro de los colores fríos. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego... y posee la virtud de crear la ilusión óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire. El azul claro puede sugerir optimismo. Cuanto más se clarifica más pierde atracción y se vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece más atrae hacia el infinito. 8. El violeta: (mezcla del rojo y azul) es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico y podría representar también la introversión. 

Cuando el violeta deriva el lila o morado, se aplana y pierde su potencial de concentración positiva.
Cuando tiende al púrpura proyecta una sensación de majestad. 9. El verde: es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la calma indiferente: no transmite alegría, tris teza o pasión. Cuando algo reverdece suscita la esperanza de una vida renovada.

El verde que tiende al amarillo, cobra fuerza activa y soleada; si en él predomina el azul resulta más sobrio y sofisticado. 10. El marrón: es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez porque es el color de la tierra que pisamos. Hemos visto algunas reacciones que producen los colores según nos los describe A. Moles y L. Janiszewski.

Cada dimensión del color está relacionada con una reacción diferente. Por ejemplo, cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo. Cuanto más brillante es el color, mayor es la impresión de que el objet o está más cerca de lo que en realidad está. Las tonalidades de la parte alta del espectro (rojos, anaranjados, amarillos) suelen ser percibidas como más enérgicas y extravertidas, mientras que las de las partes bajas (verdes, azules, púrpuras) suelen parecer más tranquilas e introvertidas. Los verdes y los azules se perciben calmados, relajados y tranquilizantes. A la vez, los rojos, naranjas, y amarillos son percibidos como colores 

cálidos, mientras que los azules, verdes y violetas son consider ados color es fríos. Las diferentes tonalidades también producen diferentes impresiones de distancia: un objeto azul o verde parece más lejano que un rojo, naranja o marrón. C/ Clapissa, 19 - 12580 - Benicarló (Castellón - España) P-14 Netdisseny d i s e ñ o i n d u s t r i a l netdisseny@netdisseny.com www.netdisseny.com Importancia y significado del color - 3 El color simbólico: Aquí analizaremos el color no en cuanto a su significado psicológico, sino como una significación simbólica o codificación cultural. Un símbolo es un elemento sensible que está en el lugar de algo ausente, y que no hay entre ambos relación convencional. Las religiones y las civilizaciones han hecho un uso intencionado del color. Por ejemplo, veamos los significados de algunos colores en el catolicismo:
1. Blanco: pureza, luz, expresa la alegría y la inocencia, el triunfo, la gloria y la inmortalidad. Se emplea en las fiestas del Señor, de la Virgen, de los santos ángeles y de los confesores en las ceremonias nupciales.
2. El rojo: simboliza el fuego, la sangre y el amor divino. Se utiliza en las fiestas del Espíritu Santo, iluminando la llama del amor divino, y en las fiestas de l os Mártires, en la Pasión, y el Pentecostés. 3. El verde: significa la esperanza, los bienes que han de venir, el deseo de vida eterna. Es el color propio del año eclesiástico y de gran número de fiestas, así como de ciertos domingos antes de Pentecostés.
4. El Negro: representa el luto y se reserva para las misas de difuntos y el Viernes Santo.
5. El Violeta: es la enseña de la penitencia. Se emplea por el Adviento, en Cuaresma, en las Vigilias y Cuatro Tiempos, Septuagésima y Rogaciones. Además de estos cinco colores litúrgicos, se utilizan también el Amarillo, para la fiesta de San José, y el Azul, color del cielo, para las fiestas de los ángeles. Pero si nos fijamos en la iglesia anglicana, nos damos cuentas de que los mismos colores significan cosas diferentes de las anteriores: Rojo, caridad, mártires de la fe. Verde: contemplación, bautismo. Azul: esperanza, amor de las obras divinas, sinceridad, piedad, paz, conciencia, prudencia cristiana, amor a lo bello. Amarillo: los confesores. Púrpura: dignidad de la justicia. Oro: gloria, potencia. Gris: Tribulaciones. Pero como hemos dicho antes, el significado del color puede cambiar en los diferentes paises.
En China el rojo se asocia con las bodas y representa buena suerte y en la India este color está unido a la caballerosidad. Tradicionalmente se relaciona con los celos, la envidia, la adolescencia, la risa y el placer, e incluso en algunos casos se le denomina como el color de la mala suerte. Por otro lado un color amarillo suave y cálido incita también a la concentración y el dinamismo. En algunas religiones como en la china, el amarillo es un color Sagrado, sin embargo en otras no significa nada trascendental. El simbolismo de los colores es apli cado al ámbito comercial, publicidad o comunicación de productos. El rojo coca cola se asocia a la euforia, la exaltación y la vitalidad, el amarillo Kodak significa la luz, el azul de Ciba-Geiby evoca la calma y la higiene o el naranja butano significa energía. El color esquemático: Aquí consideramos el color extraído de su contexto, icónico o denotativo, y considerarlo sólo en cuanto a materia cromática. Se convierte así en una propiedad autónoma, uti lizabl e para los objetos de diseño y los mensajes gráficos. El color esquemático es combinable infinitamente con todos sus tonos y matices, pero siempre color plano. C/ Clapissa, 19 - 12580 - Benicarló (Castellón - España) P-15 Netdisseny d i s e ñ o i n d u s t r i a l netdisseny@netdisseny.com www.netdisseny.com Importancia y significado del color - 4 El color esquemático proviene de la heráldica, donde el color "distintivo" de los escudos permitía identificar a los caballeros entre la multitud. Podemos encontrar éstas simbologías: · Azul: le lealtad, la justicia, la fidelidad. La buena reputación y l a nobleza. · Rojo: significa el amor, audacia, valor, coraje, cólera, crueldad. · Verde: el honor, la cortesía, el civismo, la esperanza y el vigor. · Púrpura: representaba la fe, la devoción, l a templanza y la castidad. · Negro: luto, la aflicción. · Dorado: la sabiduría, el amor, la fe, el amor, las virtudes cristianas y la constancia. · Plata o blanco: la prudencia, l a inocencia, la verdad, la esperanza y la felicidad. · Naranja: inestabilidad, disimulo e hipocresía. · Marrón: penitencia, pena, la traición y la humildad. Los colores de las naciones, escudos y banderas, tienen también orígenes perdidos en el Tiempo, y siguen la misma lógica del color puro, plano y saturado. Lo mismo nos ocurre con las señales de tráfico.
Todo lo que hemos comentado hasta ahora de los colores ha sido teniéndolos en cuenta individualmente, pero cuando realizamos -como es habitual- una utili zación del color combinando una gama, nos encontramos con que las significaciones cambian, eclipsando las asociaciones de los colores que lo componen. Es frecuente que una combinación de colores evoque una imagen muy específica. 
Las combinaciones de colores también pueden evocar determinados significados por su asociación con las banderas nacionales. Así, en muchos productos se utiliza una combinación de color que nos puede evocar la nacionalidad de ese producto, haciendo más fácil su identificación y origen de producción. El color emblemático: Un color que se ha erigido en emblema para su uso social. 

Los colores de los cinco aros olímpicos son emblemáticos, la cruz roja, las banderas nacionales y los colores institucionalizados de los uniformes.
Se trata de un simbolismo práctico, utilitario, creado bajo el espíritu corporativista, para ayudar a identificar y memorizar, a través del emblema cromático, las organizaciones, los servicios públicos y las instituciones del entorno social. El color púrpura es un color mágico. Usado por los emperadores, era símbolo de poder, evoca la gloria y majestad, dignidad y realeza. Asimismo emblemático para todos los fumadores es el color verde que, asociado a cualquier marca o embalaje de tabaco significa mentolado. O el caso de la "etiqueta negra" que designa una cualidad especial en ciertos productos de consumo. 
El color señalético: La variable señalética saca del color toda su potencia esquemática, para convertirse en la base del repertorio sígnico de un código fuertemente sensitivo: el código señalético. Se aplica para señalizar, es decir, para incluir señales al mensaje gráfico para centrar la atención en determinados puntos. Marca la presencia y el rol de ellos. Estos colores siguen la señalización utilizada en la circulación rodada, en el código aéreo y marítimo. Se tratan, por tanto, de colores de alta saturación y que son empleados en su condición de "planos", en su grado de mayor esquematización y visibilidad. 
E
TIPOS DE LUCES.

LUZ DE PANORAMA: Se hace con panoramas y se hace combinando panoramas, iluminando de arriba abajo con otros que iluminan de abajo a arriba. Para evitar que se dibujen sobre el fondo las líneas de luz, se utilizan filtros difusores. Los focos superiores ocultos en el telar y los inferiores deben esconderse en los elementos de la decoración.


LUZ LATERAL: Es una luz que aparece desde las calles de la escena y resalta la silueta de los objetos que ilumina; no es una luz muy usada en la iluminación general de la escena, pero sí en la danza ballet para resaltar figuras.

LUZ CENITAL: Cae en vertical sobre el objeto. Contribuye a resaltar su silueta y produce un efecto muy dramático, pero también puede ocasionar sombras muy violentas, por ejemplo en el rostro de un actor, sobre todo si se desplaza fuera de la zona exacta donde cae el haz de luz.

LUZ FRONTAL: Es la luz más usada para la iluminación general de una escena. Debemos cuidar que el foco esté situado a una distancia suficiente delante del objeto para evitar un efecto cenital. Para ello es conveniente utilizar los focos situados sobre el 1º término (telar 1ª calle) para iluminar el 2º término de la escena. Si necesitamos iluminar el 1º término situamos la luz en la sala.
Debemos procurar que la sombra del objeto no manche el decorado, que la luz no deslumbre al actor y que no se creen sombras que deformen el rostro del actor o del objeto. El haz de luz debe incidir en el objeto en un ángulo de 45º frontalmente pareados.

LA CONTRA: Es la luz que incide sobre el objeto desde detrás. Esta luz produce una reflexión sobre el escenario en dirección a los espectadores y por ello el público la percibe con más intensidad que la luz frontal.
Debemos usarla cuando queramos un efecto de calor demás, ya que el público la percibe con más intensidad. También contribuye a darle a la escena un efecto de profundidad y volumen.
Una iluminación a contraluz intensa sin una luz frontal que la equilibre puede dar efectos muy dramáticos, resaltando la silueta en negro del actor que está en escena.
                 
TIPOS DE FOCOS:
Tienen 3 partes:

 - lámpara: produce la luz - espejo o reflector de aluminio: proyecta el haz de luz - carcasa: donde se alojan la lámpara y el espejo. Tiene un sistema de agarre para sujetarlo. La lámpara se sitúa en la carcasa, ésta puede acercarse o alejarse para controlar el haz de luz. Dentro de la carcasa hay una lente para concentrar el haz de luz en un lugar determinado. La lámpara se acerca o aleja de la boca de la carcasa para acercar o alejar.

Tipos de focos:

Ø Foco PC: Tiene una lente plano-convexa. El haz de luz es de bordes muy definidos y es el más utilizado. Ø

Foco FRESNEL: A diferencia del foco PC tiene un haz de luz de bordes difusos y ello facilita la unión en el escenario de dos haces de luz distintos. Se usa por ejemplo para crear efectos de contraluz y evitar que el espectador vea sobre el suelo el círculo de luz dibujado por el foco.

Ø Foco DE RECORTE: Se caracteriza porque tiene un espejo móvil de lentes plano-convexas y porque, además, tiene también un reflector elipsoidal a diferencia del PC y FRESNEL, que lo tienen esférico. Esto significa que con el foco de recorte podemos proyectar un haz de luz de contornos muy precisos. Este tipo de foco es más caro que los otros, pero evitan por completo las manchas de luz sobre zonas no deseadas y podemos con ellos DIBUJAR sobre el escenario que queramos.
Dos complementos de los focos son:

v LAS VISERAS: Sirven para reducir el haz de luz de un PC y evitar que la luz manche zonas no deseadas. Se colocan en la boca del foco. Son unas portezuelas con bisagras que se pueden abrir o cerrar a nuestra voluntad. En el caso de los FRESNEL se utilizan las viseras para evitar ciertas fugas o manchas (luces de descomposición) Los focos DE RECORTE no tienen viseras sino unas “palas” que cumplen su función.

v LOS GOBOS: Son accesorios para los focos DE RECORTE. Sirven para proyectar sobre la escena todo tipo de efectos. Consiste en una lámpara de metal con un determinado motivo recortado que se coloca en el foco, en un lugar entre la lámpara y la lente.
Otro tipo de elementos de iluminación dentro de la decoración son:

¨ El foco PAR (Parabolic Aluminized Reflector): Lámpara que encierra el filamento y un reflector parabólico dentro de una misma envoltura sellada. Consigue un haz de luz casi paralelo muy concentrado y una luz muy brillante. Se usa cuando queremos manchar una zona con un color muy brillante y concentrado. No permite ningún control sobre el ángulo ni sobre el contorno del haz de luz; siempre va a dar la misma intensidad de luz.


¨ PANORAMAS: Son lámparas que también tienen un reflector normal/parabólico y una carcasa muy abierta que no cuenta con una lente. Imposibilidad de controlar el haz de luz. Se usa para iluminación general y especialmente para iluminación de fondo o ciclorama. Accesorios:

ILUMINACIÓN ESCÉNICA
ANTECEDENTES
El motivo del presente, es presentar la Memoria Descriptiva de los sistemas de Iluminación Escénica/Sala y Mecanización Teatral, donde se incluyen los parámetros a tener en cuenta para un auditorio de uso múltiple.

Cumple dos principales funciones: iluminar el escenario y a los actores y transformar el escenario en una atmósfera perfecta a la obra. El público espera tener un %100 de visibilidad de los actores y el escenario.
 · Poca iluminación: el espectador se siente incómodo porque no ve. Con una buena iluminación podemos:
1. Dar volumen, resaltar siluetas y crear sombras
2. marcar en una escena un área de primer plano iluminándola más que otras secundarias,
. conseguir movimiento y ritmo: iluminar distintas escenas para marcar un cambio de espacio v Demasiada iluminación: se producen brillos, se pierden colores y volúmenes.
Con la luz se pueden crear ambientes: nocturnos, de interior, mágico, tenebroso... Se pueden hacer también efectos especiales: nubes, lluvia...
. El color en la luz se hace con los filtros, hechos con láminas de acetato y teñidas de diversos colores, se las llama “gelatinas”, que se vende por pliegos, de allí se recorta el cuadrado que se necesita y se monta en un portafiltros colocado en la boca del foco. Debido a las altas temperaturas no se deben utilizar filtros de otros materiales y también se debe evitar que el filtro entre en contacto con la lámpara porque también se queman.
 Para una iluminación general rara vez se usa el color blanco porque se come el color de los decorados y los vestuarios. Siempre usamos la luz filtrada para resaltar el color de la escena, aunque la combinación de colores de blanco. Puede causar mal efecto usar solo un color o una sola gama de colores para iluminar una escena. Es mejor equilibrar las diversas gamas de color, si el resultado es uniforme, el efecto se pierde.


Nunca mezclar colores montando filtros de distinto color sobre un mismo foco porque el efecto distaría mucho del efecto buscado y restaría luminosidad al foco. Tenemos que probar los focos de acuerdo con el vestuario para evitar efectos no deseados. Hay dos grupos de iluminación, la indirecta, que es empleando luz reflejada o iluminación general, y la directa, proveniente del sol o una lámpara. La utilizada por la comedia musical es la primera, y para ello usan focos y proyectores. Con ellos, hay cuatro factores controlables: la intensidad, el color, la distribución y el movimiento. Existen diferentes tipos de efectos de luz con focos.






































miércoles, 8 de junio de 2016

 
 
Acústica teatral
 
Ruido Es el sonido o fenómeno acústico más o menos irregular y no armonioso producido por diversos factores. El nivel de ruido es perjudicial para la inteligibilidad se el nivel de ruido es tan elevado como el nivel de sonido útil, la inteligibilidad será de60% máximo (mala audición). Algunos ruidos más comunes son: Procedente del exterior. Es el que se produce desde la calle. El público vera y escuchara el espectáculo y cualquier sonido que tome parte en la representación, pero no debe escuchar ruidos del exterior mientras se lleva la representación. Para lograr una perfecta audibilidad se aislara el local con materiales absorbentes que impidan el paso del sonido al interior de la sala. Producido por el público. Es el ruido provocado por el público como el hablar, toser, ruidos de pasos y crujidos de las butacas, etc. SE pueden evitar mediante materiales y mobiliario adecuados.

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Problemas acústicos. El más conocido es el eco (repeticiones retardadas de sonido directo) y se genera sobre superficies planas. En la sala de conciertos con adecuada dilución de sonido las superficies que provocan eco audible son las de la parte posterior, esto se corrige introduciendo superficies reflectantes. Los ecos vibrantes se producen cuando la fuente (músico) se localiza entre dos planos paralelos absorbentes. También se puede lograr colocando en el techo reflectores orquestales.
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Características acústicas de los materiales Los materiales para las instalaciones teatrales deberán cubrir las necesidades requeridas por el público. Clasificación de materiales. Se clasifican en porosos y no porosos. Los porosos son duros, semiduros y blandos, su absorción aumenta con la frecuencia, absorbiendo las frecuencias más elevadas para las cuales nuestro oído esas sensible. Los materiales no porosos son duros absorben las bajas frecuencias, se aplican exclusivamente a cierta distancia de las paredes y en forma de paneles, siendo en general su coeficiente de absorción de un 30%, dependiendo este del material empleado y del acomodamiento de los paneles. Absorción de los materiales. Mediante estos elementos se prevén el número de transmisiones del sonido, en todos los lugares donde la exclusión sea un factor importante. Se expresa en m2 de ventana abierta. Cuando el coeficiente de absorción de un material es 0.3, este material tiene una absorción de 0.3 m2 de ventana abierta, es decir 30%, que equivale a una ventana abierta de 0.32 m2. Por lo tanto, se debe multiplicar el coeficiente de absorción por la superficie que ocupe dicho material y se tendrá la absorción total expresada en m2 de ventana abierta. Si se desea calcular la absorción total de una sala deberán conocerse exactamente todos los coeficientes de absorción de los materiales empleados.
 
 
En caso de ser así, los materiales arquitectónicos sea condicionaran con materiales absorbentes para evitar los accesos, también las azoteas se trataran de esta manera. Absorción en elementos arquitectónicos. Por lo general, son el techo, el piso, la gradería, los muros, las puertas, el mobiliario y el público. Se debe estudiar cada elemento para aplicar su coeficiente de absorción. Absorción del público.
El coeficiente de absorción de una persona media es de 0,3 a 0.47 m2 de ventana abierta (absorción total por el público 0,35 x el número depersonas.Mobiliario. Dependerá de los números basados en unidades convencionales relacionadas con los precedentes: Personas: 0.47 m2 Sillas de madera común 0.15 a 0.25 m2 Sillas acolchonadas con pajas 2 m2 Sillas con muelles, de asiento y respaldo curvo o algo semejante. 0.16 m2
 
  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 



Tipos de telones

 

  • El telón de fondo o telón de foro, situado al final del escenario y siempre bajado.

  • El telón de asbesto y telón de hierro (metálico o de seguridad), otros modos de denominar el telón cortafuegos.
  • El telón griego (o telón a la americana), también llamado cortina a la griega, corrediza o de boca, se llama al telón dividido en dos partes simétricamente iguales que al abrirse se deslizan por un riel del peine quedando plegadas a ambos lados de la embocadura del escenario.
  • El telón italiano o de pabellón es una evolución del tipo de telón griego, como aquél se pliega en dos partes iguales hacia los lados de la escena. La diferencia estriba en el sistema de apertura o cierre, consistente en una sucesión de argollas trabadas por cuerdas (la imagen resultante recuerda al perfil arquitectónico de un pabellón.
  • El telón alemán o telón de guillotina, él es clásico telón de boca que suspendido del peine (en la parte alta del torreón de tramoya sobre el arco de proscenio) sube y baja gracias a un sistema de poleas y contrapesos.
  • El telón francés, otro de los telones de boca más clásicos, es el que se recoge hacia arriba con un sistema de cuerdas verticales formando un dibujo geométrico de pliegues a distintas alturas.
  • El telón de comodín o comodín se llama al lienzo ligero situado detrás del telón de boca. Por su facilidad de manipulación, suele utilizarse para cambios de escena rápidos.
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  • El telón de cielo es uno de los telones clásicos más antiguos; llamado así porque, al ser alzado hacia la parrilla curvándose por sus extremos laterales, forma un semicírculo que "abraza la escena".
 
  • El telón de gasa se suele usar como complemento decorativo, integrado en la utilería y el atrezo, o iluminado por detrás para crear siluetas, transparencias o efectos visuales
  • El telón de bambalina, lienzo de tela o gasa en el que se ha representado un dibujo celeste integrándose así en la escenografía. Al no cerrar en su totalidad la boca del escenario no debe considerarse un telón propiamente dicho
  • ciclorama.
  • Telones colgantes, similares a los lienzos de bambalinas, se llama a los grandes paños verticales usados para crear diferentes fondos de escenario en un juego de perspectiva. Forman parte principal de los recursos escenográficos y suelen ir pintados representando calles, árboles, cielos, etc
 





Arquitectura del teatro isabelino.

Arquitectura isabelina es el término dado a la arquitectura renacentista en Inglaterra, durante el reinado de la Reina Isabel I denominada época isabelina (finales del siglo XVI y comienzos del siglo XVII). Históricamente el período corresponde al Manierismo y el inicio del Barroco en Italia, el Renacimiento Tardío en Francia, y el Herreriano en España.

Estilísticamente siguió a la arquitectura Tudor (que puede considerarse gótico final) y tuvo continuidad en el siglo XVII a través de la denominada arquitectura palladiana, también de influencia italiana, introducida por Íñigo Jones.

La arquitectura del Renacimiento llegó a Inglaterra durante el reinado de Isabel I, teniendo una previa expansión en los Países bajos en donde, entre otras características, esta adquirió versiones del aguilón holandés, y trabajos en correas flamencas en diseños geométricos adornan los muros y paredes. Ambas características puedes ser apreciadas en las torres de Wollaton Hall y de nuevo en el Montacute House. Fue también esta la época en la cual las casas inglesas adoptaron algunos conceptos italianos como tener una larga galería como la sala principal de recepción. En Inglaterra el Renacimiento tendió a manifestarse en casas altas cuadradas grandes tales como Longleat House. Estos edificios tenían a menudo torres simétricas que hacen alusión a la evolución de la arquitectura fortificada medieval.




                                                    Arquitectura del teatro a la isabelina.



La arquitectura de Italia, a menudo llamada arquitectura italiana, se refiera a todas las formas de este arte en Italia. Italia posee el mayor patrimonio artistico, historico y arquitectonico del mundo y el mayor numero de sitios Patrimonio de la Humanidad Unesco (47 en el 2015).



 
En el país hay muchos y muy diversos estilos arquitectónicos, que no pueden ser clasificados de forma simple por periodo, sino que también tienen que ser clasificados por región, debido a la división de Italia en diversas ciudades estado y territorios hasta 1861. Así, se han creado una serie de diseños arquitectónicos distintos y eclécticos. Italia es conocida por sus enormes avances técnicos en arquitectura, como lo fueron la construcción de arcos, cúpulas y estructuras similares durante el Imperio romano, la creación del Renacimiento arquitectónico a finales del siglo XIV, siendo el país de origen del Palladianismo, un estilo constructivo que inspiró movimientos como la arquitectura neoclásica e influenció el diseño de las casas de campo de ricoshombres en el Reino Unido, Australia y Estados Unidos en los siglos XVII hasta principios del XX. Varios de los mejores trabajos de la arquitectura occidental, como el Coliseo y el barroco romano (en iglesias y el palacios), el Palacio del Quirinal en Roma, el Palacio Real de Casertaen Napoles, la Catedral de Milán, la Catedral de Florencia y el renacimento toscano, y muchos de los edificios de Venecia están en Italia. Se ha estimado que Italia posee más de 100.000 monumentos arquitectonicos (museos, palacios, iglesias, villas, fuentes, casas históricas y restos arqueológicos), lo que la situa como el país con el mayor numero de monumentos historicos y arquitectonicos al mundo, seguido por Francia que se coloca en segunda posicion con "solo" 44236 bienes.





                                                     Arquitectura general de un teatro.






Un teatro en arquitectura, es el edificio y la sala donde se representan espectáculos teatrales.

Si bien no siempre se requiere un edificio para el teatro dramático -como sucede en el teatro callejero- la arquitectura para estas funciones sirve para organizar los espacios de actuación y audiencia así también como para proveer comodidades para el equipo técnico, los intérpretes y el público.

Espacio escénico.

La parte destinada a la representación se llama escena, escenario o espacio escénico.

En un teatro a la italiana, el escenario se sitúa frente a los espectadores, en un plano elevado. Es la disposición tradicional de la mayoría de las salas de teatro occidentales, heredada del siglo XVIII. Consta del escenario propiamente dicho, delimitado hacia los espectadores por un marco llamado arco de proscenio, o boca del escenario; lo cierra el telón de boca, el principal telón tradicionalmente realizado en un tejido pesado y con brillo como el terciopelo. Por delante del telón, el escenario dispone de una avanzadilla llamada «corbata» y a veces proscenio. El teatro puede tener un foso entre el proscenio y la primera fila de espectadores, en el que se sitúa la orquesta. A ambos lados de un escenario a la italiana, la escena es prolongada por unos espacios llamados "hombros", que permanecen ocultos a la vista de los espectadores gracias a las bambalinas. Por ahí los actores entran en escena y se tienen preparados los elementos del decorado que se utilizan en la función teatral.

Sala de ensayo

Sala de ensayo del Teatro deBielefeld, Alemania.

Si el tamaño del edificio lo permite, la fase de ensayos de los espectáculos se desarrolla en una sala al uso situada dentro del mismo teatro. Es una amplía sala diáfana en la que se puede instalar una estructura simplificada (pre-escenografía) que simula la escenografía definitiva que será implantada en el escenario del teatro.



Camerinos

Son los cuartos privados de los actores, donde se visten y se preparan antes de entrar en escena. Los hay individuales, para 2, 3 o 4 personas y colectivos, según se destinen a actores protagonistas, de reparto o pequeños papeles. En los pequeños teatros, los actores se peinan y se maquillan en los camerinos, mientras que los teatros de más envergadura disponen de salas equipadas donde les atiende el personal técnico del teatro, a saber los maquilladores y los peluqueros.

Talleres y secciones técnicas

Las secciones técnicas de los grandes teatros -maquinaria, electricidad, audiovisuales, sónido, utilería, sastrería, maquillaje y peluquería- tienen salas donde desarrollar su oficio y almacenar sus herramientas y su material. Cuando los decorados, el atrezzo y el vestuario se fabrican dentro del mismo teatro, estas secciones disponen de talleres perfectamente equipados y suficientemente insonorizados para que los ruidos no alcancen otras zonas del teatro.

Oficinas

Un teatro necesita tener oficinas para los diversos departamentos encargados de su gestión. Estos departamentos son básicamente de administración y gerencia, comunicación y marketing, taquilla y sala, producción, coordinación técnica y dirección artística. Pueden existir también departamentos encargados de actividades dirigidas a la formación de actores y personal teatral, o de actividades pedagógicas y culturales orientadas al público.

Espacios destinados al público


Sala
Teatro contemporáneo a la italiana. Teatro de Bielefeld, Alemania.

En la disposición tradicional a la italiana, la sala frente al escenario suele tener una forma de herradura, en los teatros más antiguos. La parte baja, la más amplía, es la plateao patio de butacas, donde los sillones o butacas se reparten en filas separadas por un pasillo central y enmarcadas por dos pasillos laterales. En los teatros más antiguos, el piso del patio de butacas es plano y ligeramente inclinado para preservar un mínimo de visibilidad. En los teatros contemporáneos, el patio de butacas suele estar constituido por un anfiteatro en gradas que permite una buena visibilidad del escenario desde las filas más alejadas.



Para mayor aprovechamiento del espacio disponible en altura, la sala se estructura en varias plantas. Sobre el patio de butacas pueden existir una o dos amplías plantas voladas y retranqueadas. Los paramentos centrales y laterales se dedican a los palcos o a galerías abalconadas que se reparten en varias plantas. Tradicionalmente, la parte más alta del teatro se denomina gallinero; es la de menor visibilidad y la más económica.

De mayor a menor precio de la entrada, el teatro se estructura en platea (planta baja), palcos (situados en la entreplanta) y anfiteatro (situados en las plantas superiores).1

Foyer

Foyer del teatro de Třebíč,República Checa. Al fondo, el acceso al ambigú.

Funciona como vestíbulo de la sala del teatro, destinado a la espera, el descanso entre actos y lugar de encuentro para el público. En algunos teatros, sobre todo en los más pequeños, es común al ambigú. En teatros de grandes dimensiones, puede denominar también al pasillo que rodea la sala de espectáculos.

Ambigú

Denominación antigua para designar el espacio del bar, cafetería o incluso restaurante para el público.2 En este aspecto, la crisis de espacio ha hecho que progresivamente el sitio del ambigú sea sustituido por una pequeña barra o zona donde se ofrecen refrigerios incluida en el foyer o en el vestíbulo.

Guardarropa y taquilla

La mayoría de los teatros ofrecen un servicio de guardarropa al público, para dejar abrigos en invierno, paraguas, bolsos u objetos voluminosos. Puede constar de uno o varios cuartos pequeños, con un mostrador donde el personal del teatro atiende a los espectadores.

La venta directa de entradas se efectúa en la taquilla del teatro, un cuarto diminuto en el que los taquilleros se comunican con el público por una ventanilla que da directamente a la calle o dentro de un vestíbulo de entrada. Los grandes teatros disponen de varias taquillas